Interview with Assaf Cohen/Entrevista a Assaf Cohen

(Spanish below)

Assaf Cohen (15th of may 1990 in Jerusalem. I'm 30 and still in Jerusalem). I finished my studies at Bezalel Academy of Art and Design (2019) in the field of ceramic design. As of today I'm working in a big old studio in the center of town, with my girlfriend, who is an amazing ceramic artist herself, and a bunch of other friend-artist doing everything from sound-art to cutting-hair-art.

Tell me, how is your working process? 

Generally there's an idea, which is a kind of intuition. Most of the time the idea is pretty much the whole design process in a flash: function, form, material, technique. These kinds of “ideas” float in my mind constantly mugs and lamps and vases just floating waiting to exist. The interesting (and difficult) part of the process, for me as a maker, is to fish for an idea and create it. I really don't have any understanding why I choose that and not this; sometimes I want to challenge myself, sometimes I'm lazy, sometimes it's something someone said the other day. The important thing for me is to sit at the potterywheel or whatever and create to give birth to an idea—; then the practicality of the working process folds out before you like a map and the week is clear and lucid. 

You are a ceramic designer, why ceramics? 

I wanted to be an architect all my life. But over the years I came to understand that what I love about architecture is a fantasy and does not exist most of your career in the field. I found that I can be an “architect” without all the bureaucracy, politics and the “computery” life style by being my own maker. In the field of ceramics you can design and build 3-D objects and solutions with just your own two hands in the space of a studio. For me this is the perfect dream: having the whole process in my mind and in my hands. I guess what I'm trying to say is that I chose freedom (with all its downsides) overall. 

Do you usually work thinking about the space where the works are going to be held or is it a decision you take later on? 

In the field of usable items, I think it's more than necessary to understand where the item is going to potentially be held, stored, exhibited. It's in the ”dna” of the object how it could be used by the people who own it and where they usually and practically put all items. 

Boris Groys says “Genuine modern design is reductionist; it does not add, it subtracts. It is no longer about simply designing individual things to be offered to the gaze of viewers and consumers in order to seduce them. Rather, design seeks to shape the gaze of viewers in such a way that they become capable of discovering things themselves” [1]. Do you consider your work reductionist? What do you expect from the viewers and consumers (in case you expect something…)? 

I like the idea that people “discover” through good design. It relates to the idea that life is an adventure an exploration. Art, design and architecture build the physical world around us (biological and organic life are also design in my eyes), therefore they construct the place of exploration. They literally build the contour of everyone's separate and collective adventures. I expect the viewers to enjoy the moment in their “exploration” when meeting my designs. It's less important if they purchase the item... but if they enjoyed imagining owning it, it's a lot for me. I dont think I'm a reductionist in the sense that my designs are sometimes the opposite. It's not easier, in any way, to create or own a fragile handmade electrical socket. It gives this simple object a place in the world that it didn't “need” nobody asked for this to be. It makes life more “complicated” for everyday use and for the eyes. so it's kind of anti-reductionist in essence but maybe not in style. Maybe I like things going both ways. Making paradoxes and contradictions is the only way I understand the world this days. 

Spanish artist Elena Alonso talks about how difficult it is to distinguish among art, design and craft nowadays (three “ways of making” that are present in your work). I am aware it is a very cliché discussion the gap between high and low culture in the XX century but, what do you think? Which is your position on this topic? 

I chose the field of ceramics because of how easily and elegantly it holds together these “three ways”. It gives me the complete freedom to not choose “ways” or discuss the topic at all. Of course, this means I'm obliged to do so all the time. The gap between high and low is the gap between two words describing a situation that means they are based on an endless circle that goes nowhere. 

She also tells how craft “is a practice that has something to do with affectivity and proximity relationships” [2]. Do you have an affective view of your work/practice? 

Hmmm... I'm not sure I know how to answer :/

I also love the naked colours of your work. How do you decide the colour? 

Thanks! It's mostly laziness and partly wanting to expand and deepen the contradictory relationship between the materials and ideas in my object. I'm serious about the lazy part, it's an important part of my life and for understanding how my art evolves. I naturally love colors, and lots of them, colors make me happy in ways I don't know how to explain. But, it's very difficult to glaze complex 3-D ceramic objects in a expertly fine way. So you can say, I was afraid to go into this segment of ceramics and because of that my work is mostly “naked”. But it's also true that I learned to love and value the endless natural color template of clay. My works evolved with this notion and gained their personality from it. This days I'm working on my glazing technique and lots of my new items are full of very unclayish colors! For better and for worse. 

Maybe it is just coincidence, but I can notice so much emphasis in pieces related with electricity and artificial light (they are my favourites by far). Is there a hidden meaning about illumination (maybe a metaphysical one) or is it just my imagination? 

Electricity is magic, it's energy and life itself in many physical-biological ways. And I love the feeling (aesthetically and imaginatively) of taking a hand made sculpture and “pluging it to the wall”. It's like giving my craft life in the most literal way. This “electrical sculptures” have veins and organs, they need energy from a external force like the wind, sun, fire or water (or whatever way electricity is harvested) and they can die. Also, there's something very “right” about clay and fire (or electricity in this case); from safety to history and culture. 

Elena Alonso says that “Craft has a very relevant, contradictory yet vital place in our time” [3]. Julia Bryan-Wilson also talks about these contradictions of the contemporary craft world, saying “Craft is not contemporary. It is outmoded; it is old-fashioned; it is kitsch; it is domestic. It is the residue of the homespun, the folksy, or the functional” but also “Craft is contemporary because it is progressive, because creating things by hand yourself proposes an alternative microeconomy of local making, a system of exchange more akin to bartering with its emphasis on trade and tactile connections to supply-and-demand” [4]. Do you find contradictions in your process or point of view? What is contemporary for you? Does this even make any sense for you? 

I really believe, with all my heart, that the modern world is going way too fast. Ideas, stuff, animals and people are being created and thrown away in growing speed. Everything is literally losing value. Choosing craft and even more so, ceramics, is a medicine, first of all, to myself. Working with my own hands controlling the process from beginning to end, creating very little money and waste, helps me stay balanced and mindful. In crafts such as ceramics things take time and effort, and by “paying” in “time” I earn value to my days. And by putting “effort” I earn strength. I wouldn't say this is contradictory to anything but it's slower in such a way that creates tension between my life/art and my surroundings. I do feel like a rebel just by going to the studio and making a teapot when its 40 degrees outside and nobody needs or wants anything to do with warm liquid. It makes everything absurd in a way I feel is comfortable and appropriate for this crazy-covid-shit-Trump-2020-world. It makes sense by not making too much sense. It's political and contemporary by not being political and contemporary and it's full of contradictions and paradoxes by just being a fucking teapot. 

Sorry for the long difficult questions and thank you very much! 

Thank you!!


Assaf Cohen (15 de mayo de 1990, Jerusalén. Tengo 30 años y sigo en Jerusalén). Terminé mis estudios en la Bezalel Academy of Art and Design (2019) en la rama de diseño cerámico. Actualmente estoy trabajando en un antiguo gran estudio en el centro de la ciudad con mi novia, que también es una increíble artista cerámica, y con un grupo de amigos-artistas, haciendo de todo, desde arte con sonido hasta arte cortando el pelo.

Cuéntame, ¿cómo es tu proceso de trabajo?

Por lo general hay una idea, que es como un tipo de intuición. Casi siempre la idea es prácticamente todo el proceso de diseño en un destello: función, forma, material, técnica. Este tipo de "ideas" flotan constantemente en mi cabeza —jarrones y lámparas y floreros que sencillamente flotan esperando a existir. La parte interesante (y difícil) del proceso, para mí como hacedor, es pescar una idea y crearla. La verdad es que no tengo ni idea de por qué elijo esto y o aquello: a veces me gusta plantearme retos, otras me siento vago, a veces es algo que alguien dijo el otro día. Lo importante para mi es sentarme en el torno o donde sea y crear —concebir una idea—; entonces la practicalidad del proceso de trabajo se despliega ante ti como un mapa y la semana se vuelve clara y lúcida. 

Eres diseñador cerámico, ¿por qué la cerámica? 

Toda mi vida he querido ser arquitecto. Pero con el paso de los años me di cuenta de que lo que me encantaba de la arquitectura era en realidad una fantasía que no existe en la mayor parte del tiempo que desempeñas tu carrera en esa disciplina. Me di cuenta de que podía ser un “arquitecto” sin todo ese estilo de vida burocratizado, político y “computerizado” siendo mi propio hacedor. En el ámbito de la cerámica puedes diseñar y construir objetos tridimensionales y soluciones con tus propias manos en el espacio del estudio. Para mí, esto es un sueño perfecto: tener todo el proceso en mi cabeza y en mis manos. Supongo que lo que estoy tratando de decir es que elijo libertad (con todas sus desventajas) por encima de todo.

¿Sueles trabajar pensando en el espacio al que las obras van destinadas o es una decisión que tomas más tarde?

En el terreno de los objetos útiles, creo que es más que necesario comprender dónde se va a colocar, almacenar o exhibir el objeto potencialmente. Está en el ADN del objeto cómo podría ser utilizado por aquellas personas que lo poseen y dónde suelen poner todas sus cosas. 

Boris Groys dice “El diseño moderno genuino es reduccionista; no añade, sustrae. Ya no se trata sencillamente de diseñar objetos individuales que son ofrecidos ante la mirada de espectadores y consumidores para ser seducidos. Más que eso, el diseño persigue dar forma a la mirada de los espectadores de forma que se vuelvan capaces de descubrir cosas por ellos mismos” [1]. ¿Consideras tu trabajo reduccionista? ¿Qué esperas de los espectadores y consumidores (en el caso de que esperes algo...)?

Me gusta esa idea de que la gente “descubra” a través del buen diseño. Tiene relación con la idea de que la vida es una aventura –una exploración–. Arte, diseño y arquitectura construyen el mundo físico a nuestro alrededor (la vida orgánica y biológica son también diseño en mi opinión), por lo tanto construyen el espacio de exploración. Literalmente construyen el contorno de las aventuras colectivas e individuales de todo el mundo. Espero que los espectadores disfruten el momento de su “exploración” cuando se topan con mis diseños. No es tan importante que los compren... pero si han disfrutado imaginando que los poseen, ya es mucho para mí. No creo que sea reduccionista en el sentido de que mis diseños son a veces lo opuesto. No es fácil, de ningún modo, crear o poseer un enchufe eléctrico frágil y hecho a mano. Se le dota a este objeto sencillo de un lugar en el mundo que realmente no “necesita” –nadie lo ha pedido–. Esto hace la vida más complicada para el uso cotidiano y para la vista, por lo que es algo anti-reduccionista en esencia pero tal vez no en estilo. Puede que me gusten las cosas que toman ambas direcciones. Crear paradojas y contradicciones es la única forma en la que entiendo el mundo últimamente.

La artista española Elena Alonso habla sobre lo difícil que es hacer una distinción entre arte, diseño y artesanía en la actualidad (tres “formas de hacer” que están presentes en tu trabajo). Soy consciente de que es una cuestión muy cliché –la separación entre alta y baja cultura a lo largo del siglo XX– pero, ¿tú qué crees? ¿Cuál es tu postura acerca de este tema?

Elegí la cerámica precisamente por lo sencilla y elegante forma que tiene de mantener juntas estas tres “formas de hacer”. Me da la libertad completa de no tener que elegir diferentes “formas” o discutir sobre el tema siquiera. Por supuesto, esto significa que estoy obligado de hacerlo así todo el tiempo. La separación entre alta y baja cultura y es la separación entre dos mundos que describen una situación –esto quiere decir que están basado en un círculo sin fin que no lleva a ninguna parte–.

Elena Alonso también habla de cómo la artesanía “es una práctica que tiene algo que ver con la afectividad y las relaciones de proximidad” [2]. ¿Tienes una visión afectiva de tu práctica o tu trabajo?

Hmmm... No estoy seguro de saber cómo responder a esto :/

También, me encantan los colores desnudos de tus piezas. ¿Cómo decides el color? 

¡Gracias! Es sobre todo pereza y parcialmente querer expandir y profundizar en la relación contradictoria entre materiales e ideas en mis objetos. Lo digo en serio cuando hablo de pereza, es una parte importante de mi vida y también para comprender cómo mi arte evoluciona. Naturalmente adoro los colores, muchos de ellos; los colores me hacen feliz de una forma que no soy capaz de explicar. Pero es muy difícil vidriar objetos cerámicos tridimensionales y complejos de forma profesional. Así que puedes decir que tenía miedo de atreverme con algún segmento de la cerámica y por eso la mayor parte de mi trabajo está “desnudo”. Pero también es cierto que he aprendido a querer y valorar los modelos interminables de color de la arcilla. Mis obras han evolucionado con esta noción y han ganado su personalidad de ahí mismo. Estos días estor trabajando con mi técnica de vidriado, ¡y muchísimos de mis nuevos objetos están repletos de colores poco cerámicos! (Para bien y para mal).

Tal vez es sólo una coincidencia, pero puedo apreciar mucho énfasis en piezas relacionas con la electricidad y la luz artificial (que además son mis favoritas). ¿Hay algún significado oculto sobre la iluminación (uno metafísico quizás) o es sencillamente mi imaginación?

La electricidad es mágica, es energía y vida en sí misma en muchos sentidos físico-biológicos. Y adoro la sensación (estética e imaginativamente hablando) de tomar una escultura hecha a mano y “enchufarla en la pared”. Es como darle vida a mis obras en el sentido más literal. Estas “esculturas eléctricas” tienen venas y órganos, necesitan energía de una fuente externa como el viento, el sol, el fuego o el agua (o de cualquier forma en la que la electricidad sea recogida) y pueden morir. También, hay algo muy “cierto” entre arcilla y fuego (o electricidad en este caso); desde seguridad hasta historia o cultura.

Elena Alonso dice que “la artesanía tiene una posición relevante, contradictoria y aún así vital en nuestra época”. Julia Bryan-Wilson también habla sobre estas contradicciones de la artesanía contemporánea y dice “la artesanía no es contemporánea. Está obsoleta; está pasada de moda; es kitsch, es doméstica. Es el residuo de lo hecho en casa, de lo folclórico o de lo funcional”, pero también “la artesanía es contemporánea porque es progresiva, porque crear cosas manualmente propone una microeconomía alternativa del hacer local, un sistema de intercambio más parecido al trueque con su énfasis en el comercio y las conexiones táctiles más que en la oferta y la demanda” [4]. Desde tu punto de vista, ¿encuentras contradicciones en tu proceso? ¿Qué es contemporáneo para ti? ¿Tiene todo esto algún sentido para ti?

Personalmente creo, con todo mi corazón, que el mundo moderno está yendo demasiado rápido. Ideas, cosas, animales y personas están siendo creadas y desechadas en una velocidad que va aumentando. Todo está literalmente perdiendo valor. Elegir la artesanía y, más aún, la cerámica, es una medicina, en primer lugar, para mi. Trabajar con mis propias manos –controlar el proceso de principio a fin–, hacer poco dinero y desperdiciar poco, todo esto me ayuda a mantenerme equilibrado y con consciente. En artesanías como las cerámicas las cosas requieren tiempo y esfuerzo, y “pagando con tiempo” gano valor para mis días. Y poniendo “esfuerzo” voy ganando fuerza. Yo no diría que esto es contradictorio pero es lento de una forma que crea tensión entre arte/vida y mis alrededores. Realmente me siento como un rebelde sólo por ir al estudio y hacer una tetera mientras hay 40 grados fuera y nadie necesita o quiere nada que tenga que ver con líquidos calientes. Lo hace todo absurdo de un mofo en el que me siento cómodo y creo que es apropiado para este mundo-loco-de-mierda-covid-Trump-2020. Tiene sentido pero no teniendo mucho sentido. Es político y contemporáneo por no ser ni político ni contemporáneo, y está repleto de contradicciones y paradojas por ser sencillamente una maldita tetera.

Perdona por las preguntas extensas y complejas, ¡y muchas gracias!

¡Gracias a ti!

1. Boris Groys, “The Obligation to self-design”, e-flux journal #00 (november 2008):

2. Elena Alonso, “Pero… ¿esto es arte?”, CA2M de Madrid:

3. Ibídem.

4. Julia Bryan-Wilson, ``Eleven Propositions in Response to the Question: “What Is Contemporary about Craft?”´´, The Journal of Modern Craft (volume 6, issue 1 march 2013): 7-10. Disponible en:


Entradas populares de este blog

Torso (atlas)

Restos de Warhol

Recortes humeantes: «Tangled up in play» en F2 Galería